pub
No incessante e mutável tecido do jazz global, Fukushima, a mais recente obra do saxofonista japonês Sinsuke Fujieda e do seu ensemble, irrompe como uma revelação de brilho singular. Este álbum, um farol luminoso na paisagem jazzística de 2025, não apenas surpreende — cativa, tecendo um feitiço sónico imune às fronteiras do tempo e do espaço. O Japão, há muito reconhecido como cadinho de inovação jazzística, serve de berço a este trabalho; contudo, o magnetismo de Fukushima não reside nas suas raízes geográficas, mas na sua identidade sonora audaciosa. Situado no território etéreo do spiritual jazz, o álbum convoca um paradoxo hipnotizante: soa como a ressurreição de um artefacto perdido do final dos anos 1960 e, simultaneamente, como algo fora do tempo, emanado de uma dimensão paralela onde a cronologia simplesmente não se aplica.
Meticulosamente concebido, Fukushima é fruto da visão composicional e da mestria de Fujieda no saxofone tenor e soprano — o eixo que sustém todo o projeto. Junta-se-lhe um ensemble extraordinário — a violinista Fumiko Takeshita, o pianista Shinichi Tsukamoto, o baixista Shigeru Kato, o baterista Kensaku Ohsumi e o percussionista Daisuke Alkhaly — cuja sinergia infunde o álbum com uma intensidade quase alquímica. Gravado numa única sessão inspirada, com a maioria das faixas capturadas logo na primeira tomada, Fukushima pulsa com uma urgência e profundidade espiritual que sublinham o seu estatuto de obra-prima moderna.
Na entrevista que se segue, Sinsuke Fujieda desvenda a alquimia criativa por trás de um dos lançamentos mais enigmáticos e fascinantes do ano, oferecendo um vislumbre dos mistérios que fazem de Fukushima um marco no jazz contemporâneo.
Evolution, o vosso primeiro lançamento como SINSUKE FUJIEDA GROUP, foi concebido em 2009 e marcou um ponto de viragem. Pode descrever o percurso entre esse momento e o vosso álbum de 2025, Fukushima? Que explorações musicais, colaborações ou transformações pessoais moldaram o caminho nesse período?
Evolution, lançado em 2012, marcou um ponto decisivo por ser o meu primeiro álbum completo enquanto líder. Introduziu uma visão de spiritual jazz que viria a tornar-se o alicerce do SINSUKE FUJIEDA GROUP — um ensemble sediado em Tóquio que explora o som como oração, cura e transformação. Depois de finalizar e lançar Evolution, continuei a tocar com a mesma formação, aprofundando o som que tínhamos descoberto. Mas, com o tempo, a atividade abrandou e comecei a procurar algo mais livre, mais intuitivo e espiritualmente mais intenso. Dessa busca nasceram novos caminhos: Hyper Harmony, uma sessão de spiritual jazz em grande escala, com dez músicos de expressões únicas; e Sound Furniture, o meu nome a solo para obras espirituais baseadas em colagem sonora, improvisação e atmosfera. Ao longo desses projetos, mantive-me enraizado no jazz, mas aventurei-me em novos territórios que refletiam a complexidade da Tóquio contemporânea — tocando saxofone e flauta em contextos que iam do afrobeat e da cúmbia ao ambient e à música eletrónica. O meu senso jazzístico tornou-se uma ponte flexível entre géneros. Depois veio o Grande Terramoto do Leste do Japão, em 2011. Eu estava em Tóquio, a ver na televisão a explosão nuclear em Fukushima Daiichi, a onda a engolir cidades inteiras, as pessoas a moverem-se por ruas escuras como sombras. Esse momento destruiu o meu entendimento de estabilidade e significado. Nos dias seguintes, senti-me completamente dormente — até que um impulso me guiou: pegar no saxofone e tocar uma melodia que tinha emergido de dentro. Gravei-a no telemóvel e transcrevi-a à mão. Essa melodia tornou-se a semente da composição “Fukushima”. Foi um ponto de viragem. Percebi que a vida quotidiana nunca é garantida — tem de ser criada com intenção. Com essa consciência, fundei a SoFa Records em 2012, para lançar música de forma mais pessoal, direta e instintiva. O primeiro lançamento do selo, significativamente, foi um álbum ao vivo gravado logo após o terramoto. Também ele se chamava Fukushima — algo que ainda hoje me parece simbolicamente importante.
Os anos passaram. Por volta de 2019, quando a pandemia tornou quase impossível tocar ao vivo, surgiu uma nova questão existencial: Quem és agora, e quem te tornarás? Nesse espaço silencioso, finalizei uma peça que vinha moldando há anos: Gentle Erosion, lançada juntamente com uma curta-metragem. Para a interpretar ao vivo, voltei a reunir o SINSUKE FUJIEDA GROUP numa nova formação. A sessão ao vivo resultante tornou-se o álbum Informel. Com essa energia renovada, senti que nada me prendia. Voltei às raízes que me moldaram — o choque de ouvir Charlie Parker pela primeira vez, a força bruta do saxofone e a verdade essencial do jazz. Hoje, procuro uma música direta, viva e irrepetível — música como ritual, como oração, como experiência total e irreversível.
Vamos às suas origens. Pode recordar os seus primeiros anos como músico, onde estudou e quais foram os passos decisivos que acenderam a sua paixão? Que experiências ou mentores foram fundamentais para moldar a sua voz artística?
Era 1992. Nas primeiras semanas do meu último ano de liceu, um colega passou-me um CD para ouvir durante o intervalo. Era Charlie Parker On Dial Vol. 1, e ouvi-o num leitor portátil que costumava levar comigo. Sempre gostei de música, mas nunca tinha tocado a sério — apenas o ensino básico das aulas escolares. Mas, no instante em que ouvi o saxofone alto de Parker, fiquei completamente abalado. O som era velado e antigo, mas ao mesmo tempo vibrante, elegante, expressivo, quase geométrico. E ao ler no encarte que aquelas gravações tinham sido feitas sem partitura, percebi que aquele homem continuava a ser chamado de “génio” cinquenta anos depois. Não precisei de palavras — o meu corpo entendeu imediatamente. Foi o meu primeiro encontro real com o jazz, e aconteceu no momento exato em que eu começava a pensar seriamente no que queria fazer da minha vida. Perguntei a mim mesmo: “O que vale mesmo a pena dedicar-lhe a vida?” No som de Parker, senti uma resposta para além da lógica. Comecei a ouvir mais jazz da época — partindo de Parker e do bebop, atravessando toda a história — e pouco depois entrei num curso de Direito na universidade. Com algum dinheiro que tinha guardado de um trabalho temporário, comprei um saxofone alto por 80 000 ienes, a um colega que tinha tocado numa banda escolar. Juntei-me ao círculo universitário de jazz e mergulhei no estudo diário e nas sessões de improvisação. No segundo ano, troquei o alto pelo tenor. No último ano, já participava em sessões espontâneas junto a estações de comboio — algo comum entre jovens músicos de jazz — e comecei a tocar publicamente com os músicos que conhecia ali. Tocávamos sobretudo standards. Tive algumas aulas no início, mas sou essencialmente autodidata. A minha vida musical não começou numa instituição formal, mas numa sala de aula, com auscultadores nos ouvidos, e o som do saxofone de Parker a abrir uma porta que mudou tudo.
O lançamento de Fukushima pela Superfly Records, guiado por Paulo Gonçalves, foi um marco importante. Como surgiu essa colaboração com a editora parisiense? O que atraiu a Superfly à sua visão e de que forma influenciaram a concretização do álbum?
Sim, é verdade — e tudo começou a 27 de novembro de 2022. Nesse dia conheci o Paulo pela primeira vez, graças a um amigo em comum: Hide Morimoto, dono da editora japonesa Okra印, que tinha lançado o meu single de 7″ μtation / Caravan nesse mesmo ano. O Hide convidou o Paulo para um dos meus concertos, dizendo que queria apresentar-nos. Na altura, o Paulo estava no Japão a trabalhar e à procura de música para lançar pela sua editora, a Superfly Records — a lendária loja e selo de reedições sediado em Paris. O concerto foi no a.a.company, em Tachikawa, Tóquio. O Paulo chegou na segunda metade do segundo set — talvez 20 ou 30 minutos antes de terminar —, mas de alguma forma, naquele curto período, senti que ele tinha compreendido totalmente a essência do meu som. Depois da atuação, conversámos. Ele estava profundamente entusiasmado e já mencionava a possibilidade de lançar um LP pela Superfly. Dei-lhe uma cópia de Informel, o álbum ao vivo que tinha lançado no ano anterior. Mais tarde, disse-me que o adorara — foi aí que a ideia de Fukushima ganhou forma real. A partir daí, começámos uma troca consistente para tornar o lançamento possível. O Paulo tinha uma visão muito clara — tanto musical como visual. Inspirava-se na era dourada do jazz japonês, sobretudo nos anos 1970, como o catálogo da Three Blind Mice. Creio que a minha música, nascida e amadurecida na Tóquio contemporânea, ressoava com esse legado de maneira autêntica. Ele mostrou interesse em incluir “Fukushima” e “Nobody Knows” de Informel, fosse em versão reeditada ou em novas gravações de estúdio. Tinha também um conceito preciso para a capa — uma foto clássica, a preto e branco, intemporal, como tantas capas icónicas de jazz. Na verdade, até o título Fukushima foi ideia dele. O conhecimento profundo, a sensibilidade e o amor do Paulo pelos discos estão presentes em cada detalhe deste LP. A sua contribuição elevou verdadeiramente o projeto, e sou-lhe muito grato pela confiança e visão.
O SINSUKE FUJIEDA GROUP é um sexteto dinâmico, com talentos como Fumiko Takeshita no violino e Shinichi Tsukamoto no piano. Como se reuniu este ensemble? Que qualidades singulares aporta cada membro ao som distintivo do grupo?
Cada membro do SINSUKE FUJIEDA GROUP traz algo profundamente próprio, e a forma como nos reunimos parece quase orgânica. A violinista, Fumiko Takeshita, entrou na minha vida musical por volta de 2017. Conhecemo-nos quando ela tocava num grupo no qual eu fui convidado especial. Tem uma sólida formação clássica, iniciada aos quatro anos, mas também uma sensibilidade natural para formas mais contemporâneas. Hoje, é também a minha companheira de vida — o que acrescenta uma camada adicional de comunicação e profundidade no palco. O pianista, Shinichi Tsukamoto, conheci-o através de outro projeto em que ambos estávamos envolvidos. A primeira vez que improvisámos juntos em estúdio, senti imediatamente as suas raízes profundas no jazz. Lembro-me de longas conversas sobre Bud Powell, Thelonious Monk e Keith Jarrett. Aos poucos, os três — Fumiko, Shinichi e eu — começámos a tocar juntos, interpretando tanto composições minhas como standards. Este trio tornou-se o núcleo da formação atual do SFG. O baixista Shigeru Kato é talvez o meu companheiro musical de mais longa data. Houve uma altura em que tocámos até em duo. Licenciado pelo Berklee College of Music, é profundamente enraizado no jazz, mas traz uma sensibilidade contemporânea e sem fronteiras que moldou o caráter moderno do nosso som. O percussionista Daisuke Arakari juntou-se através da nossa participação comum numa banda de afrobeat. O seu estilo é profundamente influenciado pelas tradições africanas, dando à nossa música uma linguagem percussiva espiritual e enraizada. O baterista Kensaku Osumi foi-me apresentado pelo Arakari. Curiosamente, ele apareceu num ensaio — antes de um concerto no Cayamba — e começou a tocar espontaneamente durante o aquecimento do Arakari. Eu não fazia ideia de quem era, mas a sua energia prendeu-me de imediato. Mais tarde soube o seu nome — e convidei-o para o concerto seguinte. Pouco depois, com esta formação reunida, marcámos a sessão de estúdio que se tornou Fukushima. Parecia o momento certo, com as pessoas certas, para dar vida a esta música.
As sessões de Fukushima, gravadas a 16 de Maio de 2023 no Groove Studio Matsudo, resultaram num álbum coeso e evocativo. Pode recordar esse dia? Como ocorreu o processo de gravação? As composições foram ensaiadas minuciosamente ou distribuiu partituras no momento? A música foi captada ao vivo, preservando a espontaneidade?
Recordo esse dia com nitidez. Era ainda um período de efeitos persistentes da pandemia no Japão — não completamente pós-COVID, mas com atuações e sessões de estúdio finalmente possíveis. Isso, por si só, já dava ao dia uma sensação de importância. Para Fukushima, preparámos um conjunto de nove composições: sete peças originais novas ou rearranjadas, para além de “Fukushima” e “Nobody Knows”. Nas semanas anteriores, criei partituras e maquetes para o grupo. Escrevi também material adicional durante esse processo, à medida que a visão do álbum se consolidava. Tivemos um ensaio em estúdio antes da gravação, que ajudou a alinhar o sentimento coletivo e as nuances dos arranjos. A gravação no Groove Studio começou por volta das 13h ou 14h, no dia 16 de Maio de 2023. Gravámos dois sets completos. A maioria das faixas ficou logo na primeira tomada, embora tenhamos feito duas ou três para algumas peças, dependendo do momento. O Groove Studio é um espaço privado ideal para gravações de jazz, equipado com microfones vintage, mesas analógicas e acústica cuidadosamente afinada. E, sim — tudo foi gravado ao vivo. Isso era essencial. Queria captar a coesão espiritual e a comunicação crua que só acontecem em tempo real. A interação, a energia da sala, os movimentos subtis — tudo isso se torna parte da música quando se grava com presença total.
Vê-se como parte de um movimento mais amplo no jazz japonês contemporâneo? Como percebe a evolução atual da cena?
Enquanto alguém que há muito toca e defende o spiritual jazz, sempre senti que este som transcende géneros e ressoa profundamente com verdadeiros amantes da música. Por isso, nunca me limitei à cena jazzística; sempre toquei em contextos muito diversos. Para mim, música não é questão de género — é questão de verdade. Só isso importa. O spiritual jazz já é amplamente abraçado internacionalmente e, nos últimos anos, começo a sentir que essa consciência está a expandir-se gradualmente também no Japão. Acredito genuinamente que este som é exatamente o que o nosso tempo pede. Com este lançamento, sinto uma conexão crescente não apenas com o público internacional, mas com uma nova sensibilidade doméstica que começa a emergir.
As qualidades modais e espirituais da sua música evocam as obras pioneiras dos anos 1960 e 1970. Que artistas, álbuns ou tradições influenciaram profundamente a sua abordagem? Há referências que continuam a ressoar na sua criação?
A minha jornada começou com Charlie Parker. A partir daí, mergulhei no pós-bop até chegar a John Coltrane e Pharoah Sanders — artistas cujo som carregava emoções que eu nunca tinha ouvido antes. Ainda me lembro vividamente do grito de abertura no álbum ao vivo de Pharoah Sanders — um clamor cru, no registo mais agudo, que destruiu por completo a minha ideia do que um saxofone podia expressar. Não era apenas um timbre; era uma voz, um grito, uma vibração que transcendia dimensões. Nesse instante, senti algo despertar: coragem, autoaceitação, confiança no inconsciente e uma afirmação profunda da vida. A música deles não era apenas interpretação — era energia, uma força que continuava a mover as pessoas muito depois da gravação. Fez-me acreditar que eu também podia seguir esse caminho. Deu-me força. Percebi que a minha música também teria de vir desse lugar de verdade e poder; qualquer coisa menor não seria sustentável para mim. Nessa altura, comecei também a perceber a música de forma espacial, como pintura ou escultura — abstrata, multidimensional, ressoando como forma no espaço. Inspirei-me em artistas visuais como Picasso e Taro Okamoto — não apenas na obra, mas na presença, nas palavras, na filosofia. Dou igualmente grande importância à estrutura e à narrativa. Nesse sentido, a literatura — romances, poesia, linguagem — também teve impacto. Acredito que tudo isso converge numa expressão artística unificada.
Fukushima apresenta um som orgânico e unificado, como se o grupo se movesse como um só organismo. Essa coesão resulta de muita experiência ao vivo, ou nasce de uma visão artística partilhada?
Sem dúvida. O que ouvimos é resultado de anos de experiência ao vivo — não apenas com esta formação, mas com décadas de atuação em muitos projetos diferentes. A minha visão sempre foi criar algo para lá de uma sessão ou de uma coleção de solos — construir um som de ensemble vivo, orgânico, interligado. Essa abordagem nasce de infinitas atuações, onde tempo partilhado, confiança e sensibilidade moldam o grupo num único organismo musical. A coesão nasce disso. Não pode ser apressada — cresce com o tempo.
O título Fukushima remete para uma tragédia profunda, mas a música é meditativa, poética e contemplativa. Como é que os eventos de 11 de Março de 2011 moldaram as dimensões emocionais e espirituais desta obra? Como transformou um acontecimento tão significativo em som?
Vivi o Grande Terramoto do Leste do Japão em Tóquio. Vi cenas inimagináveis: reatores a explodirem, cidades engolidas, pessoas a moverem-se como sombras em ruas escuras. O choque foi paralisante. Passei dias a confrontar emoções sem linguagem. E foi a música — o saxofone — que me trouxe de volta. Quando toquei a melodia que tinha surgido dentro de mim, senti que regressava ao meu centro. Uma réstia de esperança nascida da tragédia — essa melodia tornou-se o início de “Fukushima”. Essa experiência mudou a minha perceção do mundo. A incerteza da vida, a fragilidade da existência, o significado de continuar apesar de tudo — se tivesse de expressar isso, não seria através de gritos ou desespero, mas como uma oração profunda, uma vibração de regeneração. O álbum Fukushima encarna esses pensamentos — “a luz que habita no desespero”, “a vontade de erguer-se do caos”. Sempre que o interpreto, revivo esse momento, e assim como a terra de Fukushima continua a recuperar com o tempo, as imagens na minha mente transformam-se em emoção e depois em som. É um processo de cura. Por isso a música se tornou meditativa e curativa — silenciosa, profundamente imersiva, mas carregada de uma força espiritual interior.
A música tem poder transformador. Que energia ou mensagem acredita que está codificada em Fukushima? O que espera que os ouvintes sintam?
Há um poder no som que transcende a linguagem e alcança o inconsciente. Acredito que o “poder” da minha música reside na capacidade de ressoar com as camadas profundas do ser — despertando memórias, emoções e ajudando as pessoas a lembrarem-se de quem realmente são. Desde que me tornei mais atento às frequências e aos harmónicos, passei a sentir a energia do som mais intensamente. Não se trata apenas de melodia ou ritmo — mas de vibrações que atravessam o espaço e ressoam no corpo e no espírito. Mesmo no caos ou no desespero, estas vibrações despertam esperança, oração, vontade de regeneração. Acredito que elas tocam suavemente o mundo interior de cada pessoa, oferecendo cura e despertar. A música é energia invisível — ligando passado, presente e futuro, o visível e o invisível. E tem o poder de tocar a alma.
Com Fukushima a alcançar reconhecimento internacional, incluindo o topo do Juno Records Jazz Chart, existem planos para levar esta música ao público global em concertos fora do Japão?
Sim, estou atualmente em conversações com vários agentes e programadores de festivais na Europa. Também recebemos interesse em outros pontos da Ásia. Acredito profundamente que a música do SINSUKE FUJIEDA GROUP pode tocar pessoas em todo o mundo, para lá da língua. Confiando nesse poder, estamos fortemente motivados a apresentar a nossa música internacionalmente. No Verão de 2025, vamos atuar como closing act no último dia do palco Crystal Palace do FUJI ROCK FESTIVAL — um passo significativo para futuras atuações internacionais. Neste momento, estamos a preparar e a explorar formas realistas de tornar possível uma digressão europeia.
Que projetos futuros ou lançamentos estão no horizonte para o SINSUKE FUJIEDA GROUP? Pode partilhar alguma antecipação sobre os próximos passos criativos?
Sim, tenho vários projetos em curso. Primeiro, estamos a preparar o lançamento da versão em CD de Fukushima este verão. Incluirá versões completas das faixas do LP, juntamente com vários temas anteriormente lançados em formato digital e novas gravações — nove faixas no total. A segunda metade desse conteúdo já foi lançada no Bandcamp pela SoFa Records sob o título ABSTRACTION JAZZ MODE – Echoes from Fukushima. Para além disso, já comecei a desenvolver ideias para o próximo álbum de estúdio e iniciei novas composições. A música do SINSUKE FUJIEDA GROUP está sempre em evolução, e pretendo continuar a aprofundar o seu núcleo enquanto exploro novas possibilidades expressivas.
pub
