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Breaking Stretch, o álbum que o septeto de Patricia Brennan se prepara para apresentar no concerto de encerramento da edição 2025 do festival Jazz em Agosto, que terá lugar no Anfiteatro ao Ar Livre da Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa, no próximo domingo (10 de Agosto), foi recentemente votado como disco do ano de 2024 pela academia de críticos internacional que decidiu os resultados do 73º DownBeat Critics Poll revelado no número de Agosto da histórica publicação norte-americana. A artista de 40 anos nascida no México e que é hoje figura central da mais avançada cena criativa de Nova Iorque foi igualmente distinguida como vibrafonista do ano, mais um justo título que premeia uma carreira absolutamente brilhante. Importa referir que estes galardões da DownBeat ecoam o amplo consenso de que Breaking Stretch foi alvo nas listas de final de ano, tendo sido aplaudido por meios tão distintos quanto o New York Times, NPR, Bandcamp Daily, Stereogum ou, entre outros, a Jazz.pt e o Rimas e Batidas.
Brennan traz agora Breaking Stretch até ao Jazz em Agosto, para uma já esgotada performance em que será ladeada por Jon Irabagon (sax alto e sopranino), Mark Shim (sax tenor), Adam O’Farrill (trompete), Kim Cass (contrabaixo) e ainda Dan Weiss (bateria) e Keisel Jimenez (percussão) (no álbum, brilharam o baterista Marcus Gilmore e o percussionista Mauricio Herrera).
Em antecipação do concerto no Jazz em Agosto, Brennan respondeu a algumas perguntas por email, revelando uma generosa disponibilidade para discutir a sua música.
Breaking Stretch foi lançado há quase um ano, o que significa que já tocam esta música há algum tempo. O que é que essa experiência permitiu que alcançassem? Acham que o septeto levou a música a novos lugares durante a digressão? Ela está em constante evolução?
Ter a oportunidade de tocar as músicas de Breaking Stretch ao vivo ao longo do último ano foi uma experiência muito poderosa. Quando gravámos o álbum pela primeira vez, estávamos focados em capturar a essência de cada composição, mas tocá-las ao vivo durante o último ano permitiu-nos expandir (sem trocadilhos) o material de maneiras novas e inesperadas. Cada membro do septeto traz algo único para a música e, com o tempo, essa química só se aprofundou. Depois de algumas apresentações ao vivo, as músicas começam a respirar de forma diferente: os tempos mudam, os solos expandem-se e encontramos novos grooves ou texturas que não existiam no estúdio. Definitivamente, ela evoluiu. Algumas peças que começaram bastante estruturadas abriram-se para a improvisação, enquanto outras se tornaram mais coesas e dinâmicas através da repetição. Portanto, sim, diria que a música está muito viva e em constante evolução. Tocá-la ao vivo revelou camadas que não tínhamos previsto, e isso é parte do que a mantém fresca para nós e, esperamos, também para o público.
Muito se tem falado sobre as qualidades noir da sua música: se pudesse ter excertos de filmes clássicos a serem projetados atrás de si no palco, quais escolheria? Se me permite dar a minha opinião, acho que “555” soaria perfeito atrás de algumas das sequências de 3 Days of the Condor, o thriller de espionagem de Sidney Pollack de 1975, com Robert Redford e Faye Dunaway…
Essa é uma ótima observação, e 3 Days of the Condor é uma ótima escolha! Há uma certa tensão e sombra nesse filme que realmente ressoa com a atmosfera que estamos a explorar em “555”. Adoro a ideia de projectar cenas atrás de nós durante um concerto ao vivo, isso traria outra camada de narrativa que já está a ferver sob a superfície da música. Se tivesse de escolher alguns, escolheria definitivamente algo como The Conversation, de Coppola. A sensação de paranóia e isolamento, o lento desenrolar, está bem no ADN emocional de muitas das nossas músicas. Além disso, Le Samouraï, de Jean-Pierre Melville. Consigo imaginar a banda a tocar uma música como “Mudanza” acompanhada de clipes desse filme. E talvez algo inesperado também, como Klute ou até Seconds, de John Frankenheimer. Ambos são repletos de clima, desorientação e um tipo de existencialismo nocturno que combina bem com os tons noir com os quais trabalhamos.
O seu septeto é uma verdadeira fonte de criatividade e inventividade. Pode contar-nos um pouco sobre como concebeu e formou este conjunto? Qual foi a ideia por trás da estrutura específica deste grupo?
Obrigado! Isso significa muito para mim. Desde o início, a ideia por trás do septeto era construir um grupo em que cada voz tivesse peso real, não apenas em termos de solo, mas também na formação do som geral e na direcção da música. Eu queria uma banda que se pudesse expandir harmoniosa e ritmicamente, mas também manter-se coesa quando necessário. Isso significava encontrar músicos que não fossem apenas tecnicamente fortes, mas também profundamente expressivos e abertos à experimentação. Comecei por usar como base o meu quarteto More Touch, composto por Kim Cass no baixo, Marcus Gilmore na bateria, Mauricio Herrera na percussão e eu própria. Depois, expandi para uma secção de três metais que cobriria uma ampla gama. Procurava músicos que fossem capazes de explorar os limites dos seus instrumentos, bem como as suas capacidades de improvisação. Acredito que Jon, Mark e Adam são únicos na sua abordagem e não têm medo de explorar os extremos. São todos extremamente virtuosos, mas também improvisadores e músicos incrivelmente ponderados. Para a actuação no Jazz Em Agosto, contaremos com a participação do baterista Dan Weiss e do percussionista Keisel Jimenez. Ambos são também improvisadores e músicos incríveis, com uma abordagem e virtuosismo únicos. Além disso, estão dispostos a correr riscos e explorar os limites da música. A arquitectura do grupo foi-se formando gradualmente. Pensei muito sobre equilíbrio, como criar contraste e cor sem sobrecarregar o espaço. Também pensei em criar ilusões sonoras, em particular, queria fazer com que o conjunto soasse maior do que realmente é. Queria trabalhar com músicos que admirava, claro, mas também com pessoas que sabia que seriam destemidas e dispostas a correr riscos, a levar o material mais longe e a surpreender-se mutuamente. É isso que mantém a música viva. Não se trata tanto de executar um conceito fixo, mas sim de construir juntos algo vivo e que respira. Todos na banda trazem uma energia muito específica, e parte da diversão tem sido observar como essas energias interagem ao longo do tempo.
Viajar de um festival para outro certamente tem o seu preço, mas o palco também deve oferecer as suas próprias recompensas. Vão tocar no belo Anfiteatro da Fundação Calouste Gulbenkian, rodeados por arte e natureza. Como é que estes locais especiais afectam a música que tocam, se é que afectam?
Há algo especial em tocar num espaço que foi tão cuidadosamente projectado, como o Anfiteatro da Fundação Calouste Gulbenkian, não apenas acusticamente, mas também esteticamente. Quando se está rodeado por arte e natureza, isso muda a nossa mentalidade. Toca-se de forma diferente. Locais como esse convidam a um tipo diferente de audição por parte do público e de nós, como intérpretes. A música respira mais. Podemos demorar um pouco mais numa frase, deixar o silêncio instalar-se ou explorar dinâmicas que não exploraríamos num ambiente mais convencional. Não se trata apenas do som, trata-se da atmosfera, das árvores, do ar livre, da arquitectura — tudo isso torna-se parte da música. De certa forma, esse tipo de locais lembram-nos por que fazemos isto. Eles mantêm-nos com os pés no chão, ao mesmo tempo que nos inspiram a ir um pouco mais longe. Então, sim, eles definitivamente afectam a música, às vezes de maneiras subtis, às vezes de maneiras transformadoras.
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